De l’importance des costumes dans la série TV

S’il est un point sur lequel même les plus farouches détracteurs de la série sur la Garde de Nuit s’accordent, c’est la qualité de ses costumes. En effet, si l’on aime à râler sur les incohérences scénaristiques et autres téléportations, il faut reconnaître que chaque semaine, le spectateur en prend plein les yeux grâce au fantastique travail des équipes HBO sur les costumes.

Aujourd’hui, nous allons donc parler chiffons et analyser plus précisément l’importance du travail des costumes dans la série.

↑« Costum design » : un travail à plein temps

On estime qu’un épisode de Game of Thrones nécessite en moyenne 700 costumes individuels, en comptant les plans larges de figurants pour les scènes d’armées ou les foules dans les villes.

La production de HBO s’appuie, pour la création de ces costumes, sur Michele Clapton, qui travaille avec une équipe d’une centaine de personnes (eh oui, entre les costumiers,  les couturiers et brodeurs, les coiffeurs… il en faut des petites mains pour arriver à un tel résultat visuel !).

Elle était en charge de la conception des costumes depuis le début de la série quand, en 2016, April Ferry a pris le relais pour concevoir la majeure partie des costumes de la saison 6. Michele Clapton, qui a travaillé sur la série de Netflix The Crown pendant ce temps, a quand même trouvé le temps de concevoir quatre des costumes les plus iconiques de la fin de saison 6, dont la fameuse robe de couronnement de Cersei. Elle devrait rejoindre à nouveau pleinement l’équipe des costumes de Game of Thrones pour la septième saison.

Son travail sur la série a été récompensé par de nombreux prix, notamment trois Emmy Awards (prix prestigieux qui récompensent les meilleurs professionnels de la télévision américaine).

↑Un souci de crédibilité, foisonnant de détails

Si le processus de création s’appuie beaucoup sur les livres, les costumiers ont à cœur de rendre les vêtements crédibles et élégants à l’écran, choisissant parfois à dessein de s’éloigner des livres afin de privilégier une cohérence visuelle et de rendre l’univers plus réaliste ou agréable aux yeux du téléspectateur.

On pourra par exemple citer la tenue des Immaculés, décrits très précisément dans les livres comme ayant un casque à pointe. Après plusieurs essais, les costumiers se sont rendus compte que le résultat avait tendance à rappeler les casques de soldats allemands de la 1ère Guerre mondiale, et ils ont renoncé au casque à pointe pour aboutir au résultat actuel.

Il faut d’ailleurs noter que l’implication de GRR Martin dans les costumes de la série est très limitée. Michele Clapton a échangé avec lui lors de la phase de création de l’épisode pilote de la série, le consultant sur la conception des costumes des personnages principaux, mais l’équipe de costumiers a une liberté totale sur ses créations.

La volonté de créer des costumes crédibles passe également par un souci du détail toujours plus fin. Que ce soit pour les broderies des costumes, les matières utilisées pour la réalisation, ou les techniques mises en œuvre pour vieillir ces matières, tout est fait pour que le spectateur envisage l’univers de Game of Thrones comme un univers réaliste, au-delà des dragons et autres monstres de glace.

Le vieillissement des tissus peut en particulier prendre des semaines. Une équipe de 10 personnes travaille à plein temps afin de vieillir les costumes de façon appropriée, pour parfois donner une impression de sueur sur les vêtements ou encore les transformer en haillons.

La notion d’environnement est également prise en compte dans la conception des costumes : quelle technique utiliseraient les personnages pour coudre leurs vêtements ? Quels matériaux seraient à leur disposition ? Quelles sont les contraintes climatiques auxquelles ils sont confrontés ? Les costumiers, pour répondre à ces différentes questions, s’inspirent énormément de l’histoire et de techniques réellement observées.

Par exemple, le costume de Sansa dans le dernier épisode de la saison 4 a été réalisé avec des plumes de corbeaux. En pleine guerre, au sommet des Eyrié, les costumiers se sont interrogés sur les ressources à la disponibilité de Sansa pour créer une robe royale. Imaginer la couvrir de bijoux leur a paru irréaliste, d’où leur choix d’utiliser des plumes noires pour figurer l’envol de Sansa.

Sansa’s big Season 4 finale dress was made of feathers because, realistically, that’s what she would have had to use. « We thought, ‘How can we achieve this?’ So she’s used raven feathers. We don’t try and suddenly cover her in jewels, because where would she get them? We always try and be realistic about what’s available in any given place. That’s why the black feathers and the mottled fabric. »

↑Renforcer l’histoire par le visuel

↑Cohérence régionale et jeux de pouvoir

L’un des buts premiers des équipes de costumiers sur la série Game of Thrones est de créer pour le spectateur une imagerie suffisamment forte et cohérente pour qu’il identifie rapidement un personnage, ses appartenances politiques, sa région d’origine, son niveau social…

En ce qui concerne notamment l’aspect régional, les attributs du costume devront ainsi renseigner le spectateur de façon subliminale sur les spécificités de la région : au Nord, le climat est rude et le terrain est peu fertile, donc la région n’est pas une région riche. De facto, le personnage nordien portera des fourrures et peu de bijoux. A l’inverse, les terres de l’Ouest sont des régions où l’or coule à flot, donc les Lannister seront vêtus richement de métaux précieux et de bijoux.

Mais au-delà de ces considérations géographiques, les costumes ont également vocation à refléter les allégeances politiques et les subtilités des jeux de pouvoir. En effet, comme dans nombre de sociétés hiérarchisées, les puissants vont, dans la série, donner le ton en matière de mode et seront imités par leur cour. Il n’y a bien sûr aucune obligation pour un personnage de s’habiller comme son souverain, mais, de façon tout à fait consciente, le personnage choisira d’imiter le style vestimentaire des personnages régnants, par mimétisme.

Si ces considérations peuvent paraître de prime abord assez banales, il est pourtant très intéressant d’analyser en détail à quel point les vêtements des gens de la cour à Port-Réal évoluent en fonction des influences politiques que la série dépeint. Par exemple, lors des saisons 1 et 2, les courtisanes de Port-Réal imitent le style de Cersei (des robes de type kimono en « cache-cœur », ornementées de ceintures travaillées et d’amples manches longues) puis, à partir de la saison 3, les riches dames de Port Réal se mettent progressivement à adopter le style « Margaery Tyrell » (des robes avec un décolleté plongeant, sans manches et souvent dos nu). Ce changement vestimentaire est une volonté affirmée de la part des costumiers de la série de montrer à quel point le vent tourne pour Cersei et à quel point elle est menacée politiquement par Margaery.

En saison 7, après le coup d’État (et d’éclat) de Cersei, les cartes sont redistribuées, et les courtisans vont a priori encore servir de marqueurs subtils des différentes influences politiques. Gardez l’œil ouvert, les costumiers pourraient nous donner des indices concernant les gagnants et perdants du jeu politique à long terme ! Quoiqu’il arrive, avec la guerre qui menace et l’hiver qui s’annonce, la mode s’annonce en tous cas plus sombre et monochrome, comme nous l’explique Michele Clapton :

And it’s coming to a point [where] everything is almost polarized. So I love the idea of all the women, and actually everything, is almost mono-chromed. It’s about winning the throne, all the challenges they have, the threats from over the Wall, everything. Each of the women’s costumes have all become quite dark but there’s details within each of them that are incredibly important.

↑L’évolution du personnage de Cersei à travers son costume

Si les costumes permettent d’éclairer et de renforcer visuellement les situations politiques dans la série, ils permettent également de mettre en lumière l’évolution psychologique des personnages. De par l’évolution de ses costumes, on peut par exemple suivre la descente de Cersei vers la paranoïa et la folie.

Ainsi, si son style de robe tend à rester le même (le plus souvent des robes asymétriques de type kimono ornementées de ceintures travaillées et d’amples manches longues), on remarque que plus le temps passe, et plus Cersei cherchera à asseoir son pouvoir par des robes de plus en plus rigides et riches, mettant en avant le lion et l’or et rouge des Lannister.

Pour la petite histoire, ce fameux style kimono des robes fétiches de Cersei fut à la base en partie dicté par la grossesse de l’interprète Lena Headey. En effet, les longues manches amples de ses costumes permettaient de cacher son ventre à l’écran. Cette contrainte de costume est devenue au fil du temps la marque du personnage, jusqu’à dicter son apparence « rajeunie » dans les flashbacks de la saison 5.

Au tout début de la série, Cersei portait assez peu de rouge. Ses robes étaient simples et légèrement brodées. On se souviendra par exemple de sa robe bleue finement brodée d’oiseaux. On est alors loin du lion Lannister, et Cersei apparaissait comme une douce épouse dévouée, un petit oiseau en cage qui évoque aujourd’hui dans notre imaginaire davantage Sansa que Cersei. On notera par contre la présence de ceintures métalliques qui rappellent l’armure qu’elle ne peut porter.

À la mort de son mari, Cersei se met progressivement à porter de plus en plus de rouge en public, d’abord du rouge vif puis du carmin de plus en plus sombre, jusqu’à passer, dans les dernières saisons, du rouge sang au noir, afin de marquer le deuil. Par ailleurs, plus elle sombre dans la paranoïa et plus ses robes seront structurées, d’une rigidité d’armure. Elle se met progressivement à arborer le lion, emblème Lannister, rendu de plus en plus menaçant. Ses costumes lui permettent ainsi de mettre en avant le pouvoir auquel elle s’accroche comme une lionne et qu’elle sent lui échapper au profit de Margaery Tyrell.

On remarque néanmoins au fil des saisons que deux images de Cersei s’opposent, l’une publique très apprêtée et royale, et la seconde, dans le secret de ses appartements, où elle continue parfois de porter ses robes « kimono » moins rigides. Elle laisse alors ses cheveux lâchés, à l’inverse des coiffures élaborées qu’elle arbore en public, et tombe littéralement l’armure pour montrer une face d’elle-même plus vulnérable.

Le final de la saison 6 a mis en scène un point de non-retour chez Cersei avec son couronnement. C’est pour ce costume si important dans l’imagerie de la série que Michele Clapton revint dans l’équipe (comme on l’a vu dans le premier paragraphe de cette chronique, Michele Clapton fut remplacée par une autre costumière pendant la majeure partie de la saison 6). Avec ce couronnement, une nouvelle Cersei voit le jour, et cette impression est renforcée par son costume sombre et rigide qui détonne avec ses traditionnelles robes féminines et décolletées. Elle abandonne l’or pour l’argent, adopte un col rigide et une chaîne d’acier. De par sa tenue, elle s’impose comme une femme de fer, au pouvoir absolu, qui n’a plus besoin des armes de sa féminité mais est elle-même une guerrière en armure.

Ce costume est un reflet direct du costume de son père Tywin. De façon subtile, l’équipe de costumiers nous montre une Cersei en miroir de son père, prenant par la force le pouvoir et l’héritage qu’il lui refusait de son vivant.

Ne vous attendez pas à revoir Cersei en or Lannister dans l’immédiat. En saison 7, dans une ambiance martiale et sombre, le noir et l’argent seront les couleurs de Cersei, et de sa poigne de fer autoproclamée.

↑L’évolution du personnage de Daenerys à travers son costume

Le personnage de Daenerys a connu de nombreuses pérégrinations en sept saisons. Encore plus qu’avec Cersei, l’évolution de ses costumes au fil du temps renforce visuellement la trame du personnage.

Au tout début de la série, nous rencontrons avec Daenerys une frêle jeune fille sous la coupe de son frère Viserys, qui ne voit en elle qu’un objet lui permettant d’obtenir une armée et qui compte la vendre à un chef de guerre. Elle est donc habillée simplement, dans des tissus fragiles et des couleurs neutres. La robe qu’elle porte lors de sa rencontre avec Drogo a ainsi été pensée comme une robe translucide devant exposer ses charmes, la suggérant quasi nue et à la merci de celui qui l’achète.

Pour la petite histoire, sa robe de mariage – bien que simple et devant connoter avant tout la fragilité – a été créée de la couleur de la Lune, clin d’œil des costumiers préfigurant le surnom « Lune de ma vie » que Drogo lui donnera lors de leur union.

A mesure que Daenerys se détache de son frère et devient indépendante au contact des Dothrakis, elle se met à adopter les vêtements dothraks traditionnels, lui permettant de monter à cheval aisément et montrant symboliquement sa force de caractère qui s’affirme. Elle ornemente sa tenue en fin de saison 1 d’un détail targaryen, utilisant symboliquement du cuir de reptile pour figurer des écailles de dragon (en réalité les costumiers ont utilisé des écailles de poisson pour reproduire ce cuir dans la mesure où le commerce de cuir de reptile est très réglementé).

Son passage à Qarth en saison 2 marque une nouvelle phase de son apprentissage. Après avoir perdu son frère et son khalasar, elle revêt une robe typiquement qartienne fournie par Xaro Xhoan Daxos. Mais, au fil du temps, et alors qu’elle cherche à montrer son pouvoir, sa tenue adopte des attributs masculins de la tenue qartienne, passant progressivement des soieries féminines à une allure plus armurée (les hommes de Qarth portant une sorte de plastron dont sa tenue s’inspire), en y mêlant quelques éléments de la mode dothrak, la réaffirmant comme une Khaleesi.

La saison 3 voit Daenerys s’affirmer en guerrière. Son costume principal, dont la forme se rapproche de sa dernière tenue qartienne, s’orne progressivement de broderies rappelant des écailles de dragon, rappelant son héritage targaryen. Alors qu’elle portait du bleu clair en saison 2, elle adopte alors un bleu plus sombre, qui se rapproche du bleu traditionnellement choisi pour représenter la Vierge Marie : un choix plein de symbolique quand on pense à la mère des dragons, qui se fera appeler Mhysa (mère) par les esclaves qu’elle libère. Cette couleur est également une façon de rappeler son statut de Khaleesi, le bleu étant la couleur symbolique de pouvoir dans la culture dothrak (on se rappellera notamment de la scène du mariage où le corps de Drogo porte des peintures de guerre bleues).

“I like to put blues on her because they’re a reference back to Khal Drogo and the Dothraki, because blue was their special color. We decided [in Season 1] that it was a rare natural pigment available to them in their region, so it’s sort of her weird tribute to him… So yes, blue is a very important color for her, and I think she’ll carry that through for a while.”

En saison 4, Daenerys s’installe à Meereen. Ses robes publiques se font plus travaillées et royales, mais elle conserve sa couleur fétiche : le bleu. On est dans une continuité de la saison 3, où la reine conquérante se mue en reine d’apparat. En privé, elle adoptera par contre un style beaucoup plus simple, qui s’inspire des tenues portées par les esclaves qu’elle a libérés, avec notablement un collier métallique, de façon probablement à montrer sa proximité avec leur cause.

Mais alors qu’elle s’éloigne peu à peu de son peuple dans la saison 5, s’enfermant dans sa pyramide et sourde au fait que son contrôle sur Meereen est devenu ténu, persuadée dans sa rigueur morale d’avoir apporté la paix en libérant les esclaves, son style vestimentaire connait un grand changement. Si elle arborait des robes bleues depuis la saison 2, elle revêt désormais des robes blanches, symbolisant son retrait moral et sa pureté.

« [The white] signifies her mental removal from some of the scenes that she has to be in — like in the fight pit. She doesn’t actually want to be there, so we wanted to show visually that she was removed. It was chaotic and bloody and colorful, and there was supposed to be this purity in the middle. She was visually removing herself from the things that she disagreed with. »

Étonnamment, alors que ses robes se font de plus en plus féminines et longues, elle ne quittera pourtant pas ses guêtres dothrak. Ainsi, si certains se sont fait la réflexion lors du final de la saison 5 qu’il était surprenant de voir Daenerys comme par hasard arborer des vêtements adaptés pour monter sur son dragon alors qu’elle était l’instant d’avant dans une robe apprêtée, il a en fait été révélé que Daenerys n’avait jamais quitté ses bottes. Si cela était visible dans ses costumes les saisons précédentes, on peut en apercevoir des indices également dans certaines scènes de la saison 5 malgré ses longues robes. L’idée développée par les costumiers est que Daenerys est habituée depuis son enfance à fuir : elle ne se départit donc jamais de vêtements pratiques lui permettant de fuir si besoin.

« It’s the sort of root to her, really, » Clapton said. « That she’s always wanted to be able to flee. No matter how sort of formally dressed she is, she always has boots and she always has trousers, so she can always run if she needs to. That’s in the back of my mind when I’m designing for her. »

En saison 6, alors que sa trame la replace dans les steppes dothrak et ses racines narratives, elle retourne vers un style vestimentaire qu’on lui connaissait en saison 1 avec des vêtements dothraks. Mais on notera que la forme du haut de son costume reprend la forme de sa robe bleue de conquérante : une façon symbolique de montrer que Daenerys se retrouve elle-même après des errances à Meereen.

La saison 7 la verra conquérante à Westeros. L’hiver est sur Westeros, donc on la verra bien sûr plus couverte que sous les latitudes d’Essos, mais on la verra surtout en noir (comme on l’a dit précédemment, avec l’hiver et la guerre, le monde s’assombrit, et il en est de même pour les costumes des personnages principaux) avec toutefois des touches de rouge : pour la première fois, Daenerys portera donc les couleurs de sa famille, les Targaryen.

↑L’évolution du personnage de Sansa à travers son costume

Dans l’une des toutes premières scènes de la série, Cersei demande à Sansa d’où vient la robe qu’elle porte, et Sansa répond qu’elle l’a faite elle-même. Dés lors, l’équipe de costumiers de Game of Thrones a cherché, au travers des costumes de Sansa, à exprimer les sentiments que la jeune fille peut ressentir, faisant de ses robes le reflet de ses émotions.

Au début de la série, beaucoup de ses robes ne lui vont pas. C’est tout à fait intentionnel de la part des costumiers : Sansa est une toute jeune fille qui veut paraître. Mais une coupe de robe ne va pas à tout le monde ! Sansa se cherche et essaye de copier des styles vestimentaires qui ne lui vont pas, comme toute adolescente qui cherche son style…

Ainsi, alors qu’elle arrive à Port Réal, elle essaye de s’habiller comme la reine Cersei qu’elle idéalise. Cersei représente tout ce que la jeune Sansa s’imagine qu’elle veut dans la vie, donc elle cherche à l’imiter de la meilleure façon qu’elle connaît : en imitant ses vêtements. Cependant, elle n’y arrive pas vraiment, donnant plus l’impression d’une enfant qui se déguise que d’une femme mise en valeur.

Elle porte alors très peu de bijoux, mais le plus souvent, lorsqu’elle en met un, il représente une libellule. Beaucoup interprètent ceci comme une subtile référence à l’histoire du Prince des Libellules et de sa douce Jenny : Sansa, jeune fille romantique, rêve d’une belle histoire d’amour comme celle de ce prince targaryen et de sa douce roturière.

A mesure qu’elle déchante, après la saison 1, et se retrouve prisonnière des Lannister, ses robes se font plus sombres, tirant sur le mauve que porte sa mère, et plus lourdes, comme pour la protéger du monde comme une armure. Plus tard, alors que Margaery Tyrell arrive à la cour, elle intégrera également quelques-uns des éléments de ses tenues dans son apparence (notamment dans sa coiffure qui rappellera celle de Margaery).

L’un des éléments essentiels de ses costumes est la broderie. La plus iconique restera probablement la broderie qui ornait sa robe lors de son mariage à Tyrion Lannister. Elle représente un lion mettant en déroute un loup… Pas la peine de vous expliquer la symbolique d’une telle broderie !

Finalement, dans le final de la saison 4, Sansa est libérée de Port-Réal, et subit une transformation vestimentaire sans précédent. Par sa robe noire aux plumes de corbeaux, le petit oiseau effrayé prend son envol et Sansa embrasse son pouvoir. Sa robe est une déclaration au monde, proclamant qu’elle ne sera plus une victime. Pour la petite histoire, il y a une subtile référence à Arya dans ce costume de « Dark Sansa ». En effet, le collier qui orne la robe se termine par une aiguille à coudre. Si Arya a nommé ironiquement son épée Aiguille, choisissant l’épée en réaction aux traditions féminines qu’on veut lui imposer, Sansa embrasse également l’aiguille, dans sa forme initiale, faisant des attributs de la féminité ses armes propres.

Les costumes de la saison 5 pour Sansa sont dans la continuité de cette transformation. Elle revêtira cependant le blanc de la pureté pour son mariage avec Ramsay Bolton, ce qui renforcera d’autant à l’image la cruauté de Ramsay à son égard, en faisant un symbole de pureté que Ramsay piétine.

La saison 6 verra une Sansa reprendre les codes de son héritage Stark, embrassant les fourrures et l’emblème du Loup tout en conservant ses attributs de pouvoir durement gagnés. On a à l’image une reine du Nord, qui met sa force en avant et refuse d’être une victime. La saison 7 devrait a priori continuer sur cette lancée, voyant Sansa majestueuse et résolue.

↑Conclusion

Nous espérons par cet article vous avoir un peu éclairés sur l’importance du travail des costumes dans Game of Thrones et leurs subtils apports à la trame narrative.

Il y aurait encore bien des choses à en dire, que ce soit en analysant la riche garde robe de Margaery Tyrell, les symboles qui ornent les armures et autres armes, le travail de coiffure… Si vous souhaitez en savoir plus, beaucoup d’articles fleurissent sur internet sur le sujet (la plupart du temps en anglais). Nous nous sommes en particulier beaucoup appuyés pour cette chronique sur des interviews de Michele Clapton que l’on retrouve dans de nombreux articles sur le net. On peut également mentionner, si vous souhaitez un autre regard en français sur la symbolique des costumes, les résumés des épisodes de Game of Thrones par La Dame (https://mirabilique.fr/), qui intègrent souvent un « point chiffon » appuyant sur la symbolique du costume dans l’épisode visionné.

Il est en tous cas l’heure de se quitter pour nous après cette longue chronique. À très bientôt pour d’autres chroniques de l’estivale !